Beyoncés Lookbook über die erschöpfend fabelhafte Ära der Mode

Beyoncés Lookbook über die erschöpfend fabelhafte Ära der Mode

Wie

Die Welt hat das siebte Kommen von Beyoncé in Form ihres Studioalbums „Renaissance“ bezeugt. Die 16 Tracks sind Ausdruck ihrer Stimmungen und Sehnsüchte während des Höhepunkts der Pandemie, als sie beschloss, Musik aufzunehmen, die ihr erlaubte, zu träumen und zu entkommen, wie sie auf ihrer Website schrieb. Sie merkte auch an, dass ihre Absicht darin bestand, einen „sicheren Raum“ zu schaffen. Ein Ort ohne Urteil. Ein Ort, an dem man frei von Perfektionismus und Überdenken ist.“ Und die Texte und lockeren Grooves der Musik sind ein Beweis dafür. Von Blitzen von Donna Summer und Honey Dijon bis hin zu glorreichen House-Beats – die Hälfte der Tracks verlangt nach einem Remix zu individuellen Mini-Marathons auf der Tanzfläche, und andere rufen sofort Bilder von verschwitzten Körpern hervor, die in Glückseligkeit vor der Pandemie aufeinanderprallen. Die Worte und Beats regen die Vorstellungskraft an und setzen Emotionen frei, die für so viele Menschen erstickt wurden: Freude, Hingabe.

Beyoncés „Renaissance“ wurde für die Ewigkeit gemacht

Fotografien in ihren sozialen Medien zielen darauf ab, diese Emotionen konkret hervorzurufen – in Form von Bodysuits, Discokugeln, Hologrammpferden und schillernden Sätteln. Wenn die Musik eine Hommage an die ungehemmte Bewegung ist, sind die Standbilder von Modegeschichte, pflegeleichtem Glamour und Perfektionismus durchdrungen – vielleicht nicht die Old-School-Version, die Beyoncé in ihrem Schreiben meidet, aber dennoch eine anspruchsvolle Strenge.

In diesen Looks steckt viel Arbeit.

Zu Beginn: Es gibt Bodys. Aber natürlich gibt es Bodys. Gab es jemals einen längeren Beyoncé-Moment ohne einen? Nein, hat es nicht. Sie sind ihre Unterschrift. Ihre Uniform. Sie sollten in Bey-Anzüge umbenannt werden.

Es gibt funkelnde und geformte und eine, die wirklich nur ein bisschen Silberkette und Strasssteine ​​​​ist. Auf einem Porträt sitzt sie mit angewinkelten Beinen in einem Alaïa-Bodysuit aus schwarzer Spitze, den Blick auf den Betrachter gerichtet und ihre Lippen leicht geöffnet. Auch das ist eine Unterschrift. Auf praktisch jedem Foto starrt sie ihr Publikum mit leicht geöffnetem Mund an. Dieser Standardausdruck verleiht jedem Foto eine ähnliche emotionale Note.

Beyoncé in Standbildern ist nicht annähernd so interessant wie Beyoncé in Bewegung. Ihr Schweigen spricht keine Bände. Sie kommuniziert nicht so viel mit einem Blick, der vom Klicken eines Fensterladens eingefangen wird. Es spielt keine Rolle, ob sie eine zerbrochene Flasche hält, als würde sie einen widerspenstigen Barkollegen abwehren, oder ein altmodisches Glas hochheben, als würde sie einem Kellner signalisieren, ihr Getränk aufzufrischen. Sie gibt den Beyoncé-Look. Aber kein Problem. Das war immer mehr als genug.

Es gibt noch mehr Alaïa zu sehen in Form eines maßgeschneiderten, säuregrünen Spitzenkleides mit mongolischem Lammbesatz. Es gibt auch ein silbernes Satin-Samtkleid von Gucci mit Flügelärmeln und eine rote, bauschige, kurz geschnittene Jacke von Dolce & Gabbana. Es gibt Westernhüte und Stilettos mit roten Sohlen, Korsetts und ein silbernes Bustier mit Hörnern von Mugler, das an das gesamte „Too Funky“-Video von 1992 erinnert, an dem der Designer Thierry Mugler mit George Michael zusammengearbeitet hat, der durchaus einer der sein könnte Sieben Gipfel der Mode- und Musikkooperationen.

Die Kleider mit ihren breiten Schultern und anschmiegsamen Linien und unverfrorenen sexuellen Provokationen erinnern an die 1970er bis frühen 1990er Jahre, als die Mode von einer Art ahnungsvoller Sexualität zu schwindelerregender Zurschaustellung schwenkte. Die Kleidung lässt die Gedanken an das schlaue Selbstvertrauen von Grace Jones und die sexuelle Erregung von Madonna schweifen. Der intensive Glamour beschwört Drag Balls und Drag Queens herauf. Die Körperhaltung erinnert an die Modefotografie von Helmut Newton und Jean-Paul Goude.

Beyoncé, die auf ihren Knien mit einem vergoldeten Sattel auf dem Rücken posiert, erinnert an Newtons „Saddle I“. Das Bild von ihr im silbernen Gucci-Kleid mit einer fast entblößten Brust erinnert an sein Porträt von Paloma Picasso, die ein brustfreies Kleid von Karl Lagerfeld trägt. Und es gibt ein Disco-Pferd. Beyoncé sitzt darauf, trägt Ketten und Stacheln und schwingt einen weißen Hut; es erinnert an den popkulturellen Moment von 1978, als Bianca Jagger auf einem weißen Pferd ins Studio 54 ritt und dazu beitrug, den Ruf des Nachtclubs als den der Ära zu festigen entweder ultra Ort für Dekadenz und Ausschweifung.

Es gibt eine volle Hingabe an die schimmernde Freude dieser Zeit – oder zumindest die weiche Erinnerung daran. Damals sprudelte das Vergnügen trotz – und vielleicht wegen – schlimmer Umstände. Das Tanzen hielt trotz der AIDS-Epidemie, Homophobie, wirtschaftlicher Gefahr und schlimmer Kriminalitätsstatistiken stand. Es gab viel zu befürchten. Und so bietet Beyoncé nach einem pandemischen Lockdown, zivilen Unruhen und einem versuchten Aufstand sprudelnde, glückselige Musik. Und nachdem sie jahrelang Jogging- und Yogahosen getragen und sich nur bis zur Hüfte angezogen hat, präsentiert sie ihrem Publikum auch Mode, die aufgedreht, auf Hochglanz poliert, gerafft und anstrengend ist. Sie arbeitet hart in diesen Korsetts und Stilettos.

Es wäre politisch korrekt zu argumentieren, dass sie mit ihren Pasteten und Nahtstrümpfen Stärke und weibliche Ermächtigung zur Schau stellt. Schließlich hat Beyoncé die Kultur- und Musikindustrie darin geschult, was es bedeutet, seinen Erfolg und seine Macht anzunehmen. Ihre Lektionen fanden besonders bei einigen schwarzen Frauen Anklang. Aber es ist nicht zu leugnen, dass diese Bilder auch eine Freude am männlichen Blick ausdrücken – ebenso wie am weiblichen Blick, dem nicht geschlechtsspezifischen Blick und dem Blick aller, die gerne schauen möchten.

Die Kleider erzählen die chaotische Geschichte einer Ära in der Popkultur, in der die Menschen entschlossen waren, eine gute Zeit zu haben. Und wann sie tat Hab viel Spaß. Trotz allem.

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